Sob o Domínio do Mal (The Manchurian Candidate)

 

Às vezes fico me perguntando para onde a gente está caminhando. Você abre o jornal e vê ex-presidente condenado e depois descondenado, papo de golpe de estado sendo tramado em gabinete, o crime organizado com PCC e Comando Vermelho mandando em estado inteiro e interferindo na política local... Dá a sensação de que o poder de verdade nunca esteve nas mãos de quem a gente vota, mas de peças muito maiores se movendo nos bastidores. 

Foi justamente pensando nessa confusão toda que decidi reassistir a um baita suspense do início dos anos 2000. Um filme que trata exatamente disso: como o sistema pode ser manipulado sem a gente nem perceber.

Por que Sob o Domínio do Mal é tão atual?

Lançado em 2004, Sob o Domínio do Mal (título original: The Manchurian Candidate) é um daqueles thrillers políticos que parecem ter previso a paranoia do mundo moderno. A trama é uma refilmagem do clássico de 1962, mas adaptada com maestria para o cenário pós-Guerra do Golfo. 

O enredo acompanha o major Bennett Marco, um veterano de guerra que começa a ter pesadelos estranhos e flashes de memória que não batem com a versão oficial da sua história. Ele lembra que seu companheiro de tropa, Raymond Shaw, salvou todo mundo e virou um herói nacional condecorado. O problema é que Shaw agora é candidato a vice-presidente dos Estados Unidos, impulsionado por uma mãe ambiciosa e por uma megacorporação sem escrúpulos. Aos poucos, Marco percebe que a mente deles foi manipulada e implantada com microchips para transformá-los em marionetes políticas. 

Com uma nota sólida de 6.6 no IMDb, o filme entrega exatamente aquele tipo de conspiração que faz a gente coçar a cabeça e questionar quem realmente manda nas decisões de uma nação.

Quem são as mentes por trás dessa conspiração?

A direção ficou por conta do talentoso Jonathan Demme — o mesmo cara que dirigiu O Silêncio dos Inocentes —, e ele sabe como deixar o espectador agoniado. O elenco é uma verdadeira seleção de elite:

·         Denzel Washington: interpreta o Major Bennett Marco com aquela intensidade visceral e desesperada de quem sabe que está sendo feito de louco. 

·         Liev Schreiber: vive Raymond Shaw, o soldado transformado em candidato fantoche, entregando uma atuação fria e cheia de camadas. 

·         Meryl Streep: faz a senadora Eleanor Prentiss Shaw, a mãe controladora. Ela rouba cada cena com uma frieza assustadora e uma atuação magistral. 

·         Jon Voight e Vera Farmiga: completam o elenco em papéis chave para o desenrolar do complô político. 

A produção rodou boa parte das suas cenas entre Nova York e Nova Jersey, além de gravar nos estúdios da Paramount na Califórnia. Essa ambientação urbana e corporativa ajuda a dar aquele tom claustrofóbico e realista para a narrativa.

Vale a pena prestar atenção na trilha sonora e nos bastidores?

Com certeza. A trilha sonora composta por Rachel Portman trabalha em silêncio para construir um clima constante de paranoia e tensão. A música não tenta saltar à frente da história, mas serve como um motor contínuo que te deixa desacreditado de tudo o que está vendo na tela. Destaque também para a releitura da música "Fortunate Son" pelo Wyclef Jean, que casa perfeitamente com o tom crítico do filme. 

Nos bastidores e circuito de premiações, quem brilhou de verdade foi Meryl Streep. A atuação dela foi tão marcante que rendeu indicações ao Globo de Ouro e ao BAFTA de Melhor Atriz Coadjuvante. 

Uma curiosidade bacana: no filme original de 1962, a lavagem cerebral era feita por chineses e soviéticos em plena Guerra Fria. Na versão de 2004, o diretor decidiu trocar o inimigo geopolítico por algo muito mais condizente com os dias de hoje: uma corporação privada chamada Manchurian Global. Ou seja, o verdadeiro perigo deixou de ser um país estrangeiro e passou a ser o poder econômico manipulando a democracia por dentro. 

Outro detalhe curioso: Tina Sinatra, filha de Frank Sinatra (que estrelou o filme original), atuou como uma das produtoras executivas deste remake.

Como o filme se sai como uma crítica ao poder?

Olhando para a obra como um todo, o filme é um prato cheio para quem gosta de suspense psicológico de alto nível. Jonathan Demme consegue construir uma atmosfera sufocante, onde a câmera cola no rosto dos personagens de um jeito que você sente a paranoia deles na pele. 

A grande sacada aqui é mostrar que o maior inimigo da liberdade não é necessariamente uma força militar invasora, mas a manipulação invisível. O roteiro escancara o cinismo da política tradicional, a ganância das grandes corporações e a facilidade com que a opinião pública pode ser moldada por narrativas fabricadas. 

Para mim, o filme envelheceu super bem. Em uma era de fake news, algoritmos que moldam o comportamento de massas e manobras políticas duvidosas acontecendo debaixo do nosso nariz no Brasil e no mundo, a história soa quase como um aviso. É o tipo de cinema que diverte, mas que deixa um nó na garganta quando os créditos começam a subir. Se você curte uma trama inteligente, bem atuada e com muita tensão, pode dar o play sem medo.

 

20.000 Léguas Submarinas (20.000 Leagues Under the Sea)

 

Sempre fui fascinado por como o cinema consegue materializar nossa imaginação mais selvagem. Dias atrás, decidi garimpar as origens do cinema de ficção científica e me deparei com um verdadeiro marco histórico: 20.000 Léguas Submarinas (título original: 20,000 Leagues Under the Sea), lançado em 1916. 

Confesso que assistir a um filme mudo de mais de um século exige desarmar um pouco o olhar acostumado com efeitos digitais modernos. Mas quando você entende o peso do que foi feito ali, a experiência muda completamente. Trata-se do primeiro longa-metragem da história a filmar cenas reais debaixo d'água, algo totalmente insano para a época. 

Aqui vou contar tudo o que você precisa saber sobre essa relíquia do cinema, passando pela produção, pelos bastidores e pela minha análise franca sobre a obra.

Como o filme 20.000 Léguas Submarinas de 1916 foi produzido?

Dirigido por Stuart Paton e produzido pelo lendário Carl Laemmle (fundador da Universal Pictures), o projeto foi uma aposta de altíssimo risco. O roteiro adaptou não apenas o famoso livro homônimo de Jules Verne, mas também fundiu elementos de outra obra do autor, A Ilha Misteriosa. 

Para dar vida às profundezas do oceano, a produção escalou no elenco Allen Holubar como o icônico Capitão Nemo, Jane Gail como a "Filha da Natureza", Matt Moore como o Tenente Bond e Dan Hanlon no papel do Professor Aronnax. 

A locação principal foi nas Bahamas, onde a luz natural e a clareza das águas permitiram que a equipe trabalhasse com câmeras adaptadas. Como era a era do cinema mudo, o filme não contava com uma trilha sonora original gravada em estúdio para a fita, sendo acompanhado por pianistas ou orquestras ao vivo nas salas de exibição — embora em restaurações modernas tenham sido incorporadas composições que dão o tom dramático perfeito. Hoje, o filme ostenta uma nota modesta de cerca de 6,1 no IMDb, refletindo muito mais o estranhamento do público atual com o ritmo do cinema mudo do que o seu valor histórico real.

Qual foi a grande inovação nas filmagens debaixo d'água?

O grande trunfo desta produção atende pelo nome de irmãos Williamson (Ernest e George Williamson). Eles inventaram o "Photosphere", uma estrutura tubular flexível acoplada a uma câmara de imersão que permitia descer a câmera e o operador até o fundo do mar, usando espelhos e luz solar refletida para capturar o fundo oceânico. 

As curiosidades por trás dessa engenhoca são fantásticas:

·         Mergulhadores de verdade: O público de 1916 ficou boquiaberto ao ver atores e dublês caminhando no leito marinho com trajes de mergulho pesados e capacetes de metal. 

·         O polvo gigante artesanal: Para a famosa cena do ataque do monstro marinho, construíram um polvo cenográfico controlado mecanicamente por operadores dentro da água. 

·         Orçamento explosivo: O filme custou cerca de 500 mil dólares na época — uma fortuna astronômica que quase quebrou o estúdio, mas que se pagou ao faturar mais de 8 milhões de dólares nas bilheterias. 

·         Sem premiações na época: O Oscar só surgiria em 1929, então o filme não ganhou estatuetas em seu lançamento. No entanto, sua relevância foi reconhecida quase um século depois, quando foi preservado pelo National Film Registry da Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos por sua importância cultural e histórica. 

Vale a pena assistir a essa versão de 1916 hoje em dia?

Sendo direto ao ponto: depende do que você busca. Se a sua praia for apenas ritmo acelerado e computação gráfica, talvez ache a narrativa truncada. O roteiro mistura muitas tramas paralelas de vingança e romances que se afastam do foco principal do Capitão Nemo e do submarino Nautilus. 

Porém, se você aprecia o cinema como arte e história, a experiência é fascinante. Ver como aqueles pioneiros resolveram problemas técnicos complexos na raça, sem nenhuma tecnologia digital, transmite uma sensação genuína de aventura. As sequências no fundo do mar ainda carregam uma atmosfera poética, quase hipnótica, que muitos filmes genéricos de hoje não conseguem replicar.

Onde o filme se posiciona na história do cinema?

20.000 Léguas Submarinas (1916) não é apenas uma adaptação literária; é o testemunho da coragem de uma equipe que decidiu desbravar o desconhecido. Ele abriu portas para tudo o que conhecemos hoje em termos de fotografia subaquática no cinema. 

Analisando a obra com calma, fica claro que seu grande valor não está no melodrama dos atores em cena, mas no espírito desbravador de sua produção. Um verdadeiro clássico que merece respeito pelo pioneirismo e pelo legado que deixou para a ficção científica mundial.

 

Ex Machina: Instinto Artificial (Ex Machina)

 

Se você curte ficção científica inteligente, daquelas que te deixam encarando o teto de madrugada pensando no futuro da humanidade, Ex Machina: Instinto Artificial é uma parada obrigatória. Lembro bem da primeira vez que assisti: fui esperando um suspense tecnológico padrão e saí com a cabeça dando nó. 

É o tipo de filme que pega um tema batido — inteligência artificial — e transforma num jogo de xadrez psicológico claustrofóbico e hipnotizante.

Qual é a história por trás de Ex Machina?

Lançado em 2015, o longa (cujo título original é Ex Machina) acompanha Caleb, um programador jovem que ganha um concurso na empresa onde trabalha para passar uma semana na casa de campo do CEO, Nathan. Só que o lugar não é bem um refúgio de férias, mas sim um laboratório isolado no meio de uma natureza selvagem surreal. 

A missão do cara? Realizar o famoso Teste de Turing em Ava, uma androide hiperavançada. A ideia é descobrir se ela realmente tem consciência ou se está apenas simulando sentimentos humanos. O problema é que, conforme as sessões avançam, a linha entre quem está testando e quem está sendo manipulado fica cada vez mais embaçada.

Quem produziu essa obra-prima do cinema sci-fi?

A mente por trás desse projeto é o diretor e roteirista Alex Garland, mestre em criar atmosferas tensas e visuais marcantes. No elenco, o cara acertou em cheio: Domhnall Gleeson interpreta o ingênuo Caleb, Oscar Isaac dá vida ao excêntrico e perturbado bilionário Nathan, e Alicia Vikander entrega uma atuação absurda no papel de Ava. 

Pra deixar o clima ainda mais claustrofóbico, a locação escolhida foi o Juvet Landscape Hotel, no meio dos fiordes da Noruega. A arquitetura moderna e fria cravada na natureza bruta cria o contraste perfeito pra história. E a trilha sonora, composta por Ben Salisbury e Geoff Barrow, não fica atrás: é uma música ambiente minimalista e pulsante que deixa você desconfortável o tempo todo, sem você saber direito o porquê.

Por que a crítica e as premiações aclamaram o filme?

Com uma nota 7.7 no IMDb, o filme não foi só um queridinho dos nerds de tecnologia, mas também abocanhou prêmios gigantescos. No Oscar de 2016, a produção levou a estatueta de Melhores Efeitos Visuais, desbancando gigantes como Star Wars: O Despertar da Força e Mad Max: Estrada da Fúria com uma fração do orçamento deles. E convenhamos: o trabalho visual na estrutura transparente da Ava é impecável até hoje. 

Nos bastidores, rolam algumas curiosidades muito feras:

·         Efeitos na raça: Alicia Vikander usava uma roupa cinza especial durante as gravações, e o corpo robótico foi totalmente adicionado na pós-produção sem o uso de pontos de rastreamento tradicionais. 

·         Dança memorável: A famosa e bizarra cena de dança do Nathan com a Kyoko virou um clássico cult instantâneo na internet. 

·         Significado do nome: O título vem da expressão em latim Deus ex Machina ("Deus vindo da máquina"), um recurso literário antigo, mas aqui a provocação é inversa: é a própria máquina tentando virar Deus. 

Vale a pena assistir Ex Machina hoje em dia?

Sem dúvida nenhuma. O grande trunfo do filme não é mostrar que robôs dominarão o mundo com armas, mas sim como a manipulação psicológica, o ego humano e a carência podem ser armas muito mais letais. Nathan representa a arrogância dos grandes executivos de tecnologia, enquanto Caleb é a bússola moral que acaba atropelada pelas próprias emoções. 

Muitos anos após o lançamento, a reflexão sobre até onde a IA pode chegar parece cada vez mais atual. Ex Machina não entrega respostas fáceis, mas garante um suspense psicológico de altíssimo nível que vai te fazer questionar de verdade quem é o verdadeiro predador da história.

 

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad)

Vou ser bem sincero com você: lá em 2016, quando saí do cinema depois de ver o primeiro filme desse bando de vilões, a sensação foi de pura decepção. Prometeram um terremoto e entregaram um desastre sem sal. Por isso, admito que fiquei com um pé atrás quando anunciaram uma nova versão em 2021. Mas aí o diretor James Gunn assumiu o projeto e a história mudou da água para o vinho. 

Lançado oficialmente em 2021, O Esquadrão Suicida (título original: The Suicide Squad) não é uma continuação direta e nem um reboot total. É quase um "deixa que eu faço do jeito certo". O filme pegou a premissa de vilões descartáveis em missões suicidas e finalmente entregou o espetáculo sangrento e absurdamente divertido que a gente queria ver. Hoje, o longa ostenta uma sólida nota 7.2 no IMDb, o que mostra como ele caiu nas graças da galera. 

Se você quer entender o que faz esse longa funcionar tão bem e por que ele merece o seu tempo no streaming, troquei uma ideia rápida aqui para resumir os principais pontos.

Qual é a história e quem comanda esse bando em O Esquadrão Suicida?

A premissa continua simples e direta: Amanda Waller (Viola Davis) pega a escória dos presídios de segurança máxima e força esses caras a cumprirem missões impossíveis em troca de redução de pena. A bola da vez é invadir a ilha de Corto Maltese para destruir um laboratório da época nazista que esconde uma ameaça bizarra conhecida como Projeto Estrela-do-Mar. 

O grande trunfo aqui é o comando de James Gunn, o mesmo cara que fez milagre com Guardiões da Galáxia na Marvel. Gunn trouxe exatamente o que faltava: liberdade total. Como o filme é para maiores de 18 anos, ele não economizou na violência estilizada, no humor ácido e na criação de personagens estranhos que a gente se apega sem querer. 

O elenco tem uma química sensacional:

·         Idris Elba brilha como Bloodsport (Sanguinário), um mercenário de elite que assume a liderança moral do grupo. 

·         Margot Robbie entrega, disparado, sua melhor atuação como Harley Quinn (Arlequina), em uma sequência de fuga que já nasceu clássica. 

·         John Cena surpreende demais como o Peacemaker (Pacificador), um cara tão obcecado pela paz que mata qualquer um para alcançá-la. 

·         Joel Kinnaman volta como o Coronel Rick Flag, mas muito melhor trabalhado do que no filme anterior. 

·         Fechando o time principal temos a Ratcatcher II (Daniela Melchior), que é o coração do filme, e o hilário King Shark (Tubarão-Rei), dublado por ninguém menos que Sylvester Stallone. 

Onde o filme foi gravado e como é a trilha sonora?

Para dar aquela cara de filme de guerra dos anos 70 misturado com quadrinhos, a produção gravou bastante coisa nos estúdios em Atlanta (EUA), construindo cenários gigantescos como praias e selvas artificiais. Já as cenas externas que dão vida às ruas e ao palácio do governo da fictícia Corto Maltese foram gravadas no Panamá e em Portugal. Essa mistura de locações reais com cenários práticos deu um peso visual incrível, fugindo daquela cara de "fundo verde" de telas de computador. 

E assim como em outros trabalhos do Gunn, a trilha sonora é um espetáculo à parte. A trilha original foi composta por John Murphy, mas o grande destaque são as músicas selecionadas para pontuar a ação. De Johnny Cash com "Folsom Prison Blues" na abertura até The Pixies com "Hey" e faixas de Grandson, as músicas ditam o ritmo de forma cirúrgica, transformando sequências de tiro e pancadaria em verdadeiros videoclipes cheios de atitude.

Quais prêmios e curiosidades marcam a produção?

Mesmo sendo um filme de super-heróis e vilões fora do padrão tradicional de Hollywood, a produção acumulou bastante atenção e indicações em premiações focadas em cinema de ação e efeitos visuais. Ganhou prêmios de dublês no Satellite Awards e acumulou indicações ao Critics Choice Super Awards, Saturn Awards e Visual Effects Society. 

Nos bastidores, existem algumas curiosidades sensacionais:

·         Gunn teve passe livre: A Warner deu total liberdade para o diretor matar qualquer personagem que quisesse. E ele levou isso muito a sério logo nos primeiros vinte minutos de filme. 

·         Sets gigantescos: O set da praia construído em Atlanta foi uma das maiores estruturas físicas já erguidas para uma produção da Warner Bros. 

·         Derivação de sucesso: O trabalho de John Cena agradou tanto o diretor que, antes mesmo do filme estrear, Gunn escreveu a série solo do Peacemaker (Pacificador), que virou um enorme sucesso de público e crítica. 

Vale a pena assistir? Confira nossa crítica do filme!

Direto ao ponto: vale cada segundo. O Esquadrão Suicida funciona porque não se leva a sério demais, mas trata seus personagens com um carinho genuíno. A dinâmica de grupo parece uma mistura doido-varrido entre um filme de resgate militar à lá Doze Condenados com o absurdo dos quadrinhos clássicos da DC. 

As cenas de ação são muito bem dirigidas, os efeitos visuais fazem sentido dentro da proposta estilizada e o texto consegue alternar entre piadas pesadas e momentos de verdadeira camaradagem sem parecer forçado. Ver caras durões e desajustados criando laços no meio do caos e enfrentando uma estrela-do-mar alienígena gigante parece ridículo no papel, mas na tela sob o comando de Gunn funciona perfeitamente. 

Se você busca uma ótima diversão para o fim de semana, com muita pancadaria, bom humor e zero enrolação, essa é uma das melhores opções do gênero nos últimos anos. Pegue a pipoca, bote o som no alto e aproveite a viagem.