A Maldição da Bruxa (Hagazussa)

 

Sabe quando você apaga as luzes, senta no sofá e coloca um filme esperando aqueles sustos fáceis, cheios de barulho, mas acaba encontrando algo que gruda na sua mente de um jeito completamente diferente? Foi exatamente isso que me aconteceu quando decidi assistir a A Maldição da Bruxa. Se você curte o chamado "terror de atmosfera" — aquele que não tem pressa nenhuma de te assustar, mas te deixa desconfortável do primeiro ao último minuto —, precisa entender o peso dessa obra.

Como o filme constrói sua atmosfera sombria?

Lançado oficialmente em 2017, o longa é uma produção independente que foge totalmente daquela fórmula batida que Hollywood adora repetir. O título original é Hagazussa (ou Hagazussa: A Heathen's Curse), uma palavra do antigo alemão que se refere justamente à figura da bruxa ou criatura da floresta.

A história se passa no século XV, no topo dos Alpes Austríacos. Acompanhamos a vida de Albrun, uma mulher que cresce isolada do mundo, cercada pela paranoia, pela extrema rejeição dos moradores locais e pela forte sombra da herança pagã de sua mãe. O filme não tem grandes discursos. Na verdade, quase não há diálogos. Tudo é construído através do som do vento, do rangido das árvores e do isolamento brutal daquela realidade.

Quem está por trás da direção e do elenco?

Quem comanda essa jornada visual impressionante é o diretor austríaco Lukas Feigelfeld. O mais surpreendente é que este foi o filme de estreia dele, desenvolvido originalmente como seu projeto de conclusão de curso de cinema. O cara demonstrou a maturidade de um veterano ao escolher focar na construção visual e sensorial, dividindo a narrativa em quatro capítulos muito bem definidos: Sombra, Chifre, Sangue e Fogo.

No elenco, o grande destaque vai para a atriz Aleksandra Cwen, que interpreta a versão adulta de Albrun. Ela carrega o filme praticamente inteira nas costas, entregando uma atuação quase silenciosa, mas cheia de intensidade no olhar e na linguagem corporal. A versão jovem da protagonista fica por conta de Celina Peter, e o elenco de apoio ainda conta com nomes como Claudia Martini (interpretando a mãe) e Tanja Petrovsky.

Onde o filme foi gravado e quais são suas curiosidades?

A locação de A Maldição da Bruxa é, sem dúvidas, um dos personagens principais da trama. As filmagens aconteceram nas paisagens isoladas e imponentes dos Alpes Austríacos e também em algumas regiões densas da Alemanha. O visual é daqueles que te fazem sentir o frio e a umidade da floresta direto do sofá.

Por ser uma produção de baixo orçamento e independente, o filme guarda algumas curiosidades de bastidores bem interessantes:

·         Trilha sonora de peso: A música arrastada e perturbadora que dita o ritmo do filme foi inteiramente composta pelo duo grego de música experimental MMMD (Mohammad). O som é feito com instrumentos de corda graves que criam uma vibração constante de angústia.

·         Orçamento curto, paciência longa: Lukas Feigelfeld demorou cerca de quatro anos para conseguir finalizar o filme, contando com campanhas de financiamento coletivo para dar conta dos custos de pós-produção.

·         A comparação inevitável: O filme costuma ser muito comparado a The VVitch (A Bruxa, de Robert Eggers), lançado um pouco antes. Embora bebam da mesma fonte do terror folclórico, o longa austríaco consegue ser ainda mais experimental e ousado em suas imagens.

Qual é a nota IMDb e a minha crítica sobre a obra?

Atualmente, o filme sustenta uma nota IMDb de 5.8. Pode parecer um número baixo para quem está acostumado com blockbusters, mas no terreno do horror artístico e experimental, essa pontuação reflete o quanto a obra divide opiniões. Ele não foi feito para agradar a massa.

Minha leitura sobre o filme é muito positiva, desde que você saiba exatamente o que vai assistir. Não espere monstros pulando na tela ou reviravoltas mirabolantes a cada dez minutos. O terror aqui é psicológico e visceral. Ele lida com a degradação da sanidade mental de uma mulher caçada pelo preconceito e pela solidão profunda.

As cenas finais são fortes, flertam com o delírio e a psicodelia, e entregam imagens que, honestamente, são difíceis de esquecer. É uma experiência pesada, crua e muito bonita visualmente. Se você tem estômago para narrativas lentas que cobram a sua paciência e te pagam com puro desconforto psicológico, apague as luzes e dê uma chance a esse pesadelo alpino.

Temos Vagas (Vacancy)

 

Imagine a estrada escura, o cansaço batendo forte e o carro quebrando no meio do nada. A única opção visível é um motel de beira de estrada com aquela luz neon piscando. É um cenário clássico, quase um clichê, mas que mexe com o instinto de sobrevivência de qualquer um. Foi justamente essa atmosfera de isolamento que me prendeu do início ao fim quando decidi assistir a Temos Vagas, um suspense psicológico que entrega exatamente o que promete: tensão pura e direta, sem enrolação.

Qual é a história por trás de TemosVagas?

O enredo acompanha David e Amy Fox, um casal que está passando por uma crise profunda no casamento após uma tragédia familiar. Enquanto viajam por uma rota isolada, o carro quebra. Sem sinal de celular e sem alternativas, eles caminham até o decadente Pinewood Motel.

O gerente esquisito os acomoda na suíte nupcial, um quarto barulhento e malcuidado. Para passar o tempo, David decide ligar a antiga televisão do quarto e encontra algumas fitas de vídeo sem identificação. Ao dar o play, o que parecia ser um filme de terror amador se revela algo assustadoramente real. Ele percebe que os assassinatos brutais mostrados na tela foram gravados exatamente naquele mesmo quarto onde eles estão deitados. A partir desse momento, o local vira uma armadilha e o casal precisa lutar para não se tornar a próxima atração do mercado de vídeos clandestinos.

Quem está no comando e no elenco do filme?

Lançado no ano de lançamento de 2007, o longa traz o título original Vacancy. A direção ficou por conta do cineasta húngaro-americano Nimród Antal, que soube explorar muito bem os espaços confinados para criar uma sensação constante de claustrofobia.

No elenco, a escolha dos protagonistas funciona muito bem pelo contraste. Temos Luke Wilson como David Fox e Kate Beckinsale interpretando Amy Fox. Wilson, geralmente associado a comédias e papéis mais leves, consegue passar a sensação de um homem comum sob extrema pressão, tentando manter a cabeça no lugar para proteger a si mesmo e a esposa. Beckinsale, conhecida por papéis de ação, entrega uma atuação vulnerável e realista. O grande destaque de bizarrice vai para Frank Whaley, que interpreta Mason, o gerente do motel. Ele consegue ser sutilmente ameaçador com aquela postura de funcionário entediado que esconde um psicopata.

Onde o filme foi gravado e quais são suas curiosidades?

Quando falamos sobre a locação, muita gente pensa que a equipe encontrou um hotel abandonado em alguma estrada esquecida dos Estados Unidos. Na verdade, o Pinewood Motel foi totalmente construído em estúdio, na Califórnia. Os designers ergueram duas estruturas completas: uma para as cenas internas e outra para as externas. O trabalho de envelhecimento do cenário ficou tão realista que o diretor Nimród Antal mencionou em entrevistas que sentia necessidade de tomar um banho logo após as filmagens, mesmo sabendo que o set era limpo.

Entre as principais curiosidades, destaca-se que os bastidores não foram tão amigáveis. Houve um forte desentendimento entre os protagonistas; Kate Beckinsale se irritou com a falta de pontualidade e preparação de Luke Wilson em alguns dias. Em certo ponto, ela chegou a deixar uma foto sua no set com um bilhete dizendo para ele ler as falas olhando para a imagem. Outro detalhe interessante é que as fitas de terror exibidas no quarto foram todas gravadas no primeiro dia de produção para que pudessem ser usadas de forma realista durante as reações dos atores nas cenas seguintes. Além disso, a campanha de marketing da época disponibilizou um número de telefone real nos Estados Unidos que simulava uma ligação para o motel, onde o ouvinte escutava a voz do gerente Mason oferecendo descontos "de cortar a respiração" enquanto gritos ecoavam ao fundo.

Qual é a nota IMDb e a crítica real sobre a obra?

Atualmente, o filme sustenta uma nota IMDb de 6,2/10. É uma pontuação justa para o nicho em que ele se encontra. A minha crítica pessoal sobre a obra é bastante positiva dentro da proposta do gênero. Temos Vagas não tenta reinventar a roda ou criar teorias complexas; ele foca no básico bem feito. O roteiro de Mark L. Smith vai direto ao ponto e o filme tem pouco menos de 1 hora e meia de duração, o que evita barrigas ou momentos de tédio.

O grande mérito aqui é o uso do terror psicológico em vez da violência gráfica exagerada. O medo nasce da situação realista de vulnerabilidade, do som de passos no teto, das portas trancadas por fora e da percepção de que os agressores não são monstros sobrenaturais, mas homens comuns lucrando com a crueldade humana. A fotografia de Andrzej Sekula utiliza tons frios e sombras que aumentam o desconforto de quem assiste. O desfecho poderia ter um pouco mais de desenvolvimento, já que tudo se resolve de forma bastante abrupta, mas a jornada compensa a experiência para quem busca um suspense ágil e eficiente para o final de semana.

Livrai-nos do Mal (Deliver Us From Evil)

 

Se você curte aquele tipo de filme que mistura a realidade nua e crua das ruas com um terror de arrastar os móveis, senta aí e toma um café comigo. Quero te falar sobre uma obra que assisti recentemente e que me impressionou pela pegada firme: Livrai-nos do Mal.

Sabe aqueles dias em que você só quer ver um suspense policial pesado, com homens durões lidando com o pior da humanidade, mas a história de repente vira a esquina e te joga direto nos braços do sobrenatural? É exatamente isso o que acontece aqui. Vou te contar em detalhes como essa produção consegue prender a atenção do começo ao fim sem parecer boba, unindo o melhor dos dois mundos.

Qual é a história por trás de Livrai-nos do Mal?

Lançado no ano de lançamento de 2014, o longa traz o título original Deliver Us from Evil. A trama acompanha a rotina de Ralph Sarchie, um sargento da polícia de Nova York que trabalha no Bronx, uma das áreas mais complicadas da cidade. O cara é cético por natureza, acostumado a lidar com a maldade humana real: violência doméstica, crimes de rua e a podridão do cotidiano. Ele e seu parceiro começam a atender chamados bizarros, como o de uma mãe que surta e joga o próprio filho na jaula dos leões em um zoológico.

A investigação avança e Sarchie percebe que os casos estão conectados a três ex-fuzileiros navais que serviram no Iraque e trouxeram algo muito ruim de lá de dentro de uma caverna. É aí que o caminho dele cruza com o do Padre Mendoza, um jesuíta nada convencional que saca tudo de demonologia. O policial precisa deixar o ceticismo de lado e se aliar ao padre para salvar a própria pele e proteger sua família.

Quem está no comando e no elenco do filme?

A direção ficou por conta de Scott Derrickson, um cara que já tem o nome carimbado no gênero por comandar O Exorcismo de Emily Rose e A Entidade. Ele sabe como criar um ambiente cinzento, chuvoso e claustrofóbico.

No elenco, quem carrega o piano na pele do protagonista é o australiano Eric Bana, entregando uma atuação muito sólida de um homem consumido pela culpa e pelo cansaço do trabalho. Ao lado dele, o ator venezuelano Édgar Ramírez interpreta o Padre Mendoza com uma imponência absurda. Esqueça aquele estereótipo de padre frágil; o Mendoza de Ramírez fuma, bebe e encara os demônios olho no olho. A talentosa Olivia Munn faz a esposa de Sarchie, e o ator Sean Harris entrega uma performance assustadora como Santino, o militar possuído.

Como pano de fundo, a locação principal do filme é a cidade de Nova York. A produção usou cenários reais do Bronx e também gravou em estúdios em Astoria, no Queens. Essa ambientação urbana e suja dá um tom de realismo fantástico para a história. Na plataforma do IMDb, a nota atual da obra é de 6.2/10, o que eu considero injusto, pois o filme entrega muito mais do que a média dos terrores por aí.

Quais são as maiores curiosidades da produção?

Uma das coisas mais legais de Livrai-nos do Mal é saber que ele foi baseado no livro Beware the Night, escrito pelo próprio Ralph Sarchie real em parceria com Lisa Collier Cool. Ou seja, as histórias de possessão e os relatos policiais saíram de arquivos reais de um ex-fardado que virou investigador paranormal.

Nos bastidores, existem algumas histórias bem interessantes:

·         O papel quase foi de outro: O papel principal foi oferecido primeiro para Mark Wahlberg, mas ele recusou, abrindo espaço para a excelente escalação de Eric Bana.

·         Maquiagem extrema: O ator Sean Harris passava mais de 7 horas na cadeira de maquiagem para aplicar cerca de 150 próteses no corpo para as cenas mais pesadas. Para evitar o processo diário, ele chegou a pedir para dormir no set com a maquiagem.

·         Trilha sonora icônica: O filme é recheado de referências e músicas da banda The Doors. Na cena do exorcismo final, o personagem Santino recita frases de uma faixa do grupo, criando uma atmosfera bizarra.

Vale a pena assistir a esse filme hoje em dia?

Fazendo uma crítica sincera da obra, o grande mérito do diretor é não transformar o filme em um festival de sustos baratos (jump scares). A narrativa flui como um bom romance policial noir, onde a lanterna do policial vai iluminando becos escuros até encontrar algo que a lógica não explica. A química entre Eric Bana e Édgar Ramírez funciona perfeitamente; o embate entre a razão do distintivo e a fé da batina é o ponto alto do roteiro.

O clímax, que é o exorcismo final em uma sala de interrogatório da polícia, é tenso, barulhento e visceral. É cinema feito para quem gosta de narrativas urbanas, misteriosas e com uma boa dose de adrenalina. Se você quer um filme de terror focado no suspense psicológico e na ação policial de alto nível, vale cada minuto do seu tempo no sofá.

Contágio em Alto Mar (Sea Fever)

 

Se você curte aquele tipo de suspense claustrofóbico, que te deixa tenso no sofá calculando as chances de sobrevivência dos personagens, precisa conhecer Contágio em Alto Mar. Eu assisti a esse filme meio sem pretensões em uma noite de fim de semana e, cara, a atmosfera dele me pegou de jeito. É uma produção que mistura terror psicológico com ficção científica biológica de um jeito muito cru e realista.

Lançado originalmente em 2019 nos festivais (e chegando ao grande público em 2020), o longa carrega o título original de Sea Fever. No termômetro do público, ele sustenta uma nota de 5.7 no IMDb — o que, vamos ser sinceros, é uma injustiça bem comum com filmes de terror independentes que fogem dos sustos fáceis (jumpscares) e focam mais no clima psicológico.

Sob o comando da diretora irlandesa Neasa Hardiman, que também assina o roteiro, a história acompanha Siobhán (vivida por Hermione Corfield), uma estudante de biologia marinha solitária e extremamente pragmática. Para concluir sua pesquisa, ela embarca em um barco de pesca de arrasto enferrujado no Atlântico Ocidental. O elenco ainda traz nomes de peso como Connie Nielsen e Dougal Campbell, que dão vida a uma tripulação supersticiosa que logo entra em rota de colisão com a mente lógica da cientista quando algo monstruoso e invisível surge do oceano.

Qual é a verdadeira história por trás de Contágio em Alto Mar?

O enredo começa a acelerar quando o capitão do barco resolve desviar a rota para uma zona de exclusão marinha, buscando uma pesca mais farta para pagar as dívidas. É aí que a embarcação bate em algo gigante e fica presa em alto-mar.

Não estamos falando de um monstro marinho gigante no estilo Tubarão ou Piratas do Caribe destruindo tudo com tentáculos. A ameaça aqui é muito mais sutil e aterrorizante: uma criatura bioluminescente desconhecida se fixa ao casco e começa a liberar uma secreção parasita nas tubulações de água do barco.

A partir daí, o filme vira um jogo de sobrevivência psicológica. O parasita começa a infectar a tripulação de dentro para fora, corroendo os olhos e a sanidade dos marinheiros. O isolamento em cabines apertadas e a falta de recursos transformam o barco em uma panela de pressão. É o clássico duelo entre a razão da cientista, que quer impor uma quarentena rigorosa para não levar a infecção para a terra, e o desespero dos pescadores, que só pensam em voltar para casa.

Onde foi gravado o filme Sea Fever?

Para entregar toda aquela sensação de isolamento cinzento e frio, a produção não economizou em realismo. As locações principais aconteceram na Irlanda, especificamente na costa de County Wicklow e nos arredores do porto de Castletownbere.

O fato de usarem barcos reais e o cenário natural do Atlântico Norte faz toda a diferença na tela. Você consegue quase sentir o cheiro de maresia, o ferro batido e o frio cortante que os personagens enfrentam. Não tem aquela cara de estúdio de Hollywood com tela verde; a textura do filme é suja, pesada e real, o que ajuda muito a prender nossa atenção e gerar empatia pela situação desesperadora daqueles caras.

Quais são as maiores curiosidades sobre os bastidores da produção?

Uma das coisas mais impressionantes sobre Sea Fever é o timing do seu lançamento. O filme foi escrito e rodado bem antes de 2020, mas a dinâmica da história — pessoas presas em um espaço confinado, lidando com um inimigo invisível, discutindo sobre o período de incubação e a necessidade de fazer quarentena para proteger os outros — antecipou de forma bizarra o que o mundo inteiro viveu logo em seguida. Assistir a ele hoje dá até um arrepio pela precisão psicológica do comportamento humano em isolamento.

Outro ponto bacana é a consultoria científica. A diretora Neasa Hardiman conversou com biólogos marinhos reais para criar a criatura. Embora o parasita seja fictício, o comportamento dele é fortemente baseado em anêmonas abissais, águas-vivas e parasitas nematódeos reais que habitam as fossas mais profundas do oceano. Isso dá uma base sólida para a história, fazendo com que o terror pareça biologicamente possível.

Vale a pena assistir Contágio em Alto Mar hoje em dia?

Se você está procurando um filme de ação frenética com monstros destruindo cidades, esse aqui não é a escolha certa. Mas se você curte uma narrativa firme, focada em dinâmica de grupo, mistério e aquela tensão que vai crescendo aos poucos até o limite, vale muito a pena.

A minha crítica principal ao filme é justamente o seu maior trunfo: ele escolhe o realismo em vez do espetáculo. A direção é cirúrgica em mostrar como o medo do invisível e a paranoia destroem a confiança entre homens calejados pelo mar mais rápido do que qualquer criatura física faria. O visual da bioluminescência contra a escuridão do oceano é absurdo de bonito, e o desfecho entrega um peso dramático honesto, sem saídas mágicas ou clichês heroicos. É um suspense de sobrevivência inteligente, robusto e que respeita a inteligência de quem está assistindo.

O Iluminado (The Shining)

 

"O Iluminado": A Experiência Mais Fria e Intensa do Cinema

Eu sempre tive uma atração por histórias que mexem com a cabeça, aquelas que você termina e fica pensando por dias. Mas "O Iluminado", de 1980, não é só um filme; é uma experiência. E, honestamente, é a experiência mais fria e intensa que já tive com um longa.

Não estou falando de sustos baratos, mas daquela tensão crescente, do mal-estar que se instala e não te larga. Se você ainda não viu, ou quer revisitar essa obra-prima, vou te dar umas coordenadas sobre o que faz dele um filme tão especial e, por que não, um dos meus favoritos.

Por Dentro da Máquina: Ficha Técnica e Gênio do Diretor

Quando a gente fala em filmes que definiram um gênero, a base tem que ser sólida. E a de "O Iluminado" é de titânio.

• Lançamento: O filme chegou aos cinemas no dia 23 de maio de 1980. Mais de 40 anos e a força dele só aumenta.

• Direção: O responsável por essa maluquice controlada é o lendário Stanley Kubrick. Ele não é só um diretor; é um artesão que controlava cada detalhe. A maneira como ele usa a câmera (o famoso Steadicam), a simetria das cenas, a luz... tudo serve para aumentar a claustrofobia e a paranoia.

• Elenco Principal: Jack Nicholson (como Jack Torrance) entrega uma performance que é puro caos e gênio. Ao lado dele, Shelley Duvall (como Wendy Torrance) e o garoto Danny Lloyd (como Danny Torrance) completam a família. O trabalho de Nicholson em transformar o personagem de escritor em um lunático é algo que tem que ser estudado.

No meu ranking pessoal, o filme segura uma nota alta. Para ter uma ideia, no IMDb, a obra tem uma nota impressionante de 8.4/10, o que coloca ele no panteu dos clássicos. É unanimidade.

O Hotel Overlook: A Verdadeira Estrela e a Trilha Sonora do Pavor

Uma boa história precisa de um cenário à altura, e "O Iluminado" acerta em cheio com o Hotel Overlook.

• Locações de Filmagem: Embora a maior parte do filme tenha sido feita em estúdios na Inglaterra, as imagens externas do Overlook, que dão aquela dimensão épica e isolada, foram capturadas no Timberline Lodge, em Oregon, e no Parque Nacional Glacier, em Montana, ambos nos Estados Unidos. A vastidão daquelas montanhas é o contraste perfeito para a loucura que acontece dentro do hotel. A sensação de estar completamente isolado no inverno é palpável.

E o que seria de um filme de terror psicológico sem uma trilha sonora que te come por dentro?

• Trilha Sonora: A música aqui não é só um acompanhamento; é um personagem. Kubrick usou muito material de compositores modernos e clássicos, como Béla Bartók e Krzysztof Penderecki, para criar um clima de dissonância e ameaça. Os sons são tensos, muitas vezes estridentes e desconfortáveis. É o tipo de trilha sonora que te avisa que algo muito ruim vai acontecer, mas você não consegue desviar o olhar. A música te prende no Overlook tanto quanto a neve prende a família Torrance.

Curiosidades e o Legado de um Clássico Atemporal

O que torna a narrativa de "O Iluminado" tão fluida, apesar de ser um filme lento e metódico, é a atmosfera de mistério que Kubrick constrói. A história de um escritor que aceita ser o zelador de inverno de um hotel isolado, levando sua esposa e seu filho com habilidades psíquicas, é o ponto de partida para a gente testemunhar a descida dele à loucura.

• Detalhe Chave: Sem dar spoilers, o termo "o iluminado" (ou The Shining no original) é a chave para o filho, Danny, se comunicar e perceber as coisas horríveis que aconteceram (e continuam acontecendo) no hotel.

• Os takes de Kubrick: Uma das curiosidades mais famosas das filmagens é a obsessão de Kubrick por repetições. Ele exigia dezenas de takes (repetições) das mesmas cenas. O objetivo era extrair a exaustão e a tensão real dos atores, especialmente de Shelley Duvall. O resultado é a intensidade que a gente vê na tela; o estresse não é só atuação, ele é, em parte, autêntico.

• O Labirinto: O labirinto de arbustos do hotel é um ícone visual. Ele não existe no livro original de Stephen King, mas foi uma adição de Kubrick para simbolizar a confusão e a prisão mental do protagonista. É um dos elementos mais geniais do design de produção.

Por Que Revê-lo

Se você curte terror psicológico de alto nível, com uma direção impecável e atuações memoráveis, "O Iluminado" é a pedida. É um filme que te desafia. Você não apenas assiste à história de Jack Torrance, você a sente. É por isso que ele é consistentemente citado como um dos melhores filmes de terror de todos os tempos.

A combinação de Kubrick, Nicholson, o Overlook e aquela trilha sonora perturbadora é o que faz desse filme um clássico. É para quem busca um cinema que te deixa inquieto, que te faz questionar o que é real e o que não é. A experiência não é divertida, mas é inesquecível.