Ilha das Flores

 

Assisti hoje a “Ilha das Flores”, só 13 minutos. Esperava um documentário tradicional, meio parado, mas o que vi na tela me deixou impressionado pela genialidade. O filme te pega pelo humor rápido e ironia fina no começo, mas termina te fazendo encarar uma realidade crua que arrepia. 

Lançado em 1989, o curta-metragem atende pelo título original de Ilha das Flores. O trabalho alcança uma nota espetacular de 8,5 no IMDb, o que mostra o apelo do público e da crítica mundial ao longo das décadas. Com direção e roteiro do mestre Jorge Furtado, a obra tem como fio condutor a voz marcante do narrador Paulo José, acompanhado no elenco por nomes como Ciça Reckziegel (Dona Anete) e Takahiro Suzuki (Sr. Suzuki). 

A trama foi gravada principalmente em Porto Alegre e na própria localidade da Ilha dos Marinheiros (no Delta do Jacuí, usada para representar a Ilha das Flores). A trilha sonora, assinada por Geraldo Flach, usa trechos de músicas clássicas de forma brilhante, incluindo "O Barbeiro de Sevilha" de Rossini em um ritmo acelerado para ditar a ironia de cada cena.

Como um simples tomate explica a lógica do consumo global?

O filme usa a trajetória de um tomate para construir uma das maiores sátiras sociais já feitas no cinema mundial. A mecânica é direta: um japonês cultiva o tomate, vende para um supermercado, uma dona de casa compra para fazer molho, acha um fruto estragado e o joga fora. Esse tomate vai parar em um lixão na tal Ilha das Flores. 

A partir aí, a lógica do consumo é exposta de forma afiada. O narrador explica conceitos como dinheiro, polegar opositor e encéfalo altamente desenvolvido como se estivesse ensinando um extraterrestre. Parece comédia didática no início, mas é apenas a preparação para a grande virada da história.

Por que a sequência final do lixão causa tanto impacto?

O momento em que a narrativa chega ao lixão da Ilha das Flores muda o tom do filme. Lá, os porcos de um criador local têm prioridade para comer a lavagem e os restos orgânicos colhidos do lixo. O lixo que os porcos rejeitam serve de alimento para mulheres e crianças miseráveis da região, que recebem exatamente cinco minutos para coletar o que sobrou. 

Essa sequência escancara a desigualdade sem rodeios. O contraste entre a capacidade racional do ser humano e a condição sub-humana em que parte da população vive traz um impacto gigante. Não há drama apelativo ou choro na tela, apenas a apresentação fria de fatos e dados que pesam no peito de qualquer um.

Quais prêmios transformaram esse curta em uma lenda do cinema?

A obra não passou batida pelos maiores festivais do mundo. O curta varreu o Festival de Gramado em 1989, levando prêmios nas categorias de Melhor Curta, Melhor Roteiro, Melhor Edição e Prêmio da Crítica e do Público. 

Internacionalmente, conquistou o prestigiado Urso de Prata no Festival de Berlim (1990) e o Prêmio Especial do Júri no Festival de Clermont-Ferrand na França (1991). Para coroar o impacto, a Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) elegeu a obra como o melhor curta-metragem brasileiro da história.

O que torna essa obra uma referência obrigatória até hoje?

Uma das maiores curiosidades dos bastidores envolve a inspiração do roteiro: a frase inicial citando a poetisa Cecília Meireles dá o tom poético que guia a narrativa. Além disso, a edição frenética comandada por Giba Assis Brasil antecipou em anos a linguagem ágil de cortes rápidos que vemos na internet e na televisão atual. 

Minha crítica direta ao filme é que ele continua incrivelmente atual, o que ao mesmo tempo mostra sua genialidade e a tragédia da nossa sociedade. Trata-se de uma obra-prima de apenas 13 minutos que entrega uma reflexão mais profunda sobre economia, humanidade e desigualdade do que muito longa-metragem de duas horas. É o tipo de cinema inteligente, rápido e cirúrgico que todo mundo deveria assistir ao menos uma vez na vida.

 

2073

 

O que torna a ficção científica de 2073 tão perturbadora? 

Você já assistiu a um filme e sentiu aquele aperto incômodo no peito, percebendo que o futuro sombrio da tela está mais perto da nossa realidade do que gostaríamos? Foi exatamente isso que senti quando parei para ver 2073. Lançado em 2024, o longa não é só mais uma ficção científica futurista sobre o fim dos tempos. Ele mistura cinema, documentário e um aviso urgente sobre para onde estamos caminhando. O projeto tem a direção do aclamado cineasta britânico Asif Kapadia, famoso por seus documentários premiados, e traz no elenco nomes como Samantha Morton, Naomi Ackie e Hector Hewer. 

Na trama, acompanhamos um futuro distópico no ano de 2073, onde o mundo foi devastado pelas mudanças climáticas, pela vigilância em massa e pela ascensão do autoritarismo tecnológico. A história foca em Ghost, uma sobrevivente que vive escondida nos escombros de uma Nova York militarizada e em ruínas. As locações na cidade americana capturam com perfeição essa sensação de desolação urbana. Atualmente, o filme ostenta uma nota 6.2 no IMDb, refletindo como a obra divide opiniões por conta da sua estrutura nada convencional. 

Por que a direção de Asif Kapadia faz tanta diferença aqui? 

A grande sacada da obra é a forma como o diretor constrói a narrativa. Em vez de entregar apenas uma história de ficção com efeitos especiais mirabolantes, o cineasta usa filmagens de arquivo reais e entrevistas para conectar os problemas de hoje ao desastre de amanhã. A trilha sonora, pontuada por composições tensas e barulhos industriais, ajuda a criar um clima de paranoia constante. Você se sente na pele de quem está tentando apenas sobreviver mais um dia em um ambiente hostil. 

Entre as curiosidades da produção, destaca-se o fato de o filme ter sido inspirado no clássico curta-metragem francês La Jetée (1962), de Chris Marker — a mesma obra que inspirou Os 12 Macacos. O longa fez sua estreia no prestigiado Festival de Cinema de Veneza e circulou por diversos festivais internacionais, acumulando elogios pela coragem de misturar linguagem documental com narrativa de ficção científica. 

Vale a pena assistir a essa mistura de ficção com realidade? 

Minha crítica direta ao filme é que ele não busca te entreter de forma leve. 2073 é desconfortável por opção. O ritmo pode causar certo estranhamento no começo, já que a transição entre as cenas dramatizadas pela Samantha Morton e as imagens reais de arquivo é bastante brusca. Por outro lado, essa escolha visual traz um peso enorme para a história. Não se trata de uma ameaça alienígena ou de robôs gigantes, mas sim das consequências diretas das escolhas que a humanidade está fazendo agora. 

Para quem gosta de produções que provocam e deixam a cabeça martelando depois que os créditos rolam, a experiência compensa demais. Ele pega no colarinho do espectador e mostra que o futuro não é um mistério distante, mas algo que estamos construindo neste exato momento. 

Onde você pode encontrar mensagens parecidas no cinema atual? 

Se você curtiu a proposta reflexiva da obra, vale a pena buscar outros títulos que usam a ficção científica como espelho da sociedade. Filhos da Esperança e O Livro de Eli seguem essa mesma linha de sobrevivência em cenários devastados, mantendo o pé no chão e o foco na atitude humana diante do caos. 

No fim das contas, a produção entrega uma reflexão sobre liberdade, tecnologia e o impacto do homem no planeta. É o tipo de filme que vale assistir em um fim de semana calmo, de preferência acompanhado, para trocar uma ideia sincera sobre o que acabou de ver. E você, já conhecia o título ou ficou curioso para conferir essa visão do futuro?

Walter Matthau: Diamante em Bruto (Walter Matthau: Diamond in the Rough)

 

Walter Matthau: Diamante em Bruto

Se você é do tipo que aprecia um bom cinema de raiz, daqueles com personagens casca-grossa mas de coração enorme, senta aí que hoje vamos conversar sobre um cara que definiu esse estilo como ninguém: Walter Matthau. Mais especificamente, vamos falar sobre o documentário Walter Matthau: Diamante em Bruto (título original: Walter Matthau: Diamond in the Rough).

Eu sempre tive uma queda por essas cinebiografias que não tentam dourar a pílula. Matthau nunca foi o galã típico de Hollywood — longe disso —, mas o cara tinha uma presença de tela que engolia qualquer bonitão de queixo quadrado. Esse filme é uma baita homenagem a um dos atores mais autênticos que o cinema já viu.

Qual é o contexto inicial e a história por trás desse filme?

Para entender o documentário, a gente precisa olhar para o homem. Walter Matthau era aquele cara com cara de poucos amigos, postura meio curvada e uma voz que parecia que ele tinha engolido um punhado de brita. Mas, quando ele começava a falar, a mágica acontecia.

O documentário destrincha exatamente essa dualidade. Ele mostra como um garoto pobre do Lower East Side de Nova York, filho de imigrantes, conseguiu peitar a indústria de cinema mais poderosa do mundo e se tornar um gigante. O título não poderia ser mais certeiro: ele era realmente um diamante bruto. Um talento bruto, lapidado pelas dificuldades da vida real, que trouxe para as telas uma verdade que pouca gente conseguia entregar. O filme passeia pela sua infância dura, os tempos de teatro e, claro, a consagração no cinema.

Quando foi o ano de lançamento e quem está no elenco principal?

Lançado originalmente em 1997, bem na reta final da vida do ator (que nos deixou em 2000), o filme funciona quase como um balanço de carreira em vida. A direção ficou nas mãos de David Shear, que teve a sacada genial de não fazer apenas uma colagem de cenas antigas, mas sim costurar depoimentos de quem realmente conhecia o mestre.

No elenco, além do próprio Walter Matthau roubando a cena nas entrevistas, temos um time de peso que conviveu e trabalhou com ele. O maior destaque, claro, não poderia ser outro: Jack Lemmon. A química entre os dois na vida real e nas telas (quem não lembra de Um Estranho Casal ou Dois Velhos Rabugentos?) é o coração de boa parte do documentário. Além de Lemmon, figuras como a atriz Sophia Loren e o diretor Billy Wilder aparecem para dar seus depoimentos, destilando histórias de bastidores que valem ouro para qualquer cinéfilo. As locações das entrevistas variam entre os estúdios de Hollywood e as casas dos próprios artistas, trazendo um clima de conversa de bar bem intimista.

Qual é a nota IMDb e quais as principais curiosidades da produção?

Se você liga para números, a recepção de produções desse tipo costuma ser bem nichada, mas muito respeitada. Atualmente, o filme mantém uma recepção sólida entre os fãs do ator no IMDb, flutuando ali na casa dos 7.0 a 7.5, o que é uma nota excelente para um documentário biográfico de TV daquela época.

Mas o que me pega de verdade são as curiosidades que a obra revela. Separou três fatos que achei fantásticos:

·         O vício em apostas: O filme não esconde o lado humano e os defeitos de Matthau. Ele era completamente alucinado por apostas em corridas de cavalos e esportes. Chegou a perder uma fortuna ao longo da vida, e o documentário aborda isso com uma honestidade brutal, mostrando como ele usava o trabalho no cinema também para pagar as dívidas de jogo.

·         O visual "antigalã": Billy Wilder conta no filme que, no início, os executivos de estúdio não sabiam o que fazer com Matthau porque ele parecia "um agente de apostas que levou uma surra". Foi justamente essa falta de vaidade que o tornou imortal.

·         Irmandade real: A dor de Jack Lemmon ao falar sobre a saúde já debilitada do amigo na época das gravações é de dar um nó na garganta. Era uma amizade de verdade em um meio conhecido pela falsidade.

Qual é a minha crítica sobre Walter Matthau: Diamante em Bruto?

Sendo bem direto com você: esse documentário é obrigatório para quem gosta de cinema feito por homens de verdade, sem filtro e com muita bagagem. A obra acerta em cheio ao não tentar transformar Matthau em um santo. Ele era turrão, tinha seus vícios, reclamava de tudo, mas tinha um carisma que você simplesmente não consegue parar de olhar.

A edição flui muito bem, misturando os momentos cômicos que o consagraram com a melancolia de um homem que sabia que estava no outono da vida. Sentir a admiração de lendas como Billy Wilder e Jack Lemmon por ele nos faz entender que Matthau não era apenas um ator engraçado; ele era um artesão da atuação, alguém que tratava o ofício com um respeito absurdo, por mais que fingisse não ligar. Se você quer entender como a velha Hollywood funcionava e como um sujeito comum virou rei, tire uma hora do seu dia para assistir. Vale cada segundo.

 

A Feitiçaria Através dos Tempos (Haxan)

 

Se você curte cinema de terror, documentários ou simplesmente quer entender como o medo moldou a sociedade, senta aí e pega um café. Hoje vou te contar sobre uma das obras mais perturbadoras, caras e visualmente impressionantes do cinema mudo. Estou falando de A Feitiçaria Através dos Tempos, um filme que, mesmo tendo cruzado a marca do centenário, ainda consegue entregar uma atmosfera bizarra que deixa muito filme de terror moderno no chinelo.

Sempre fui fascinado por produções que desafiam as regras do seu próprio tempo. Quando assisti a essa obra pela primeira vez, esperava encontrar apenas um registro histórico datado, mas o que vi foi uma aula de narrativa visual e uma ousadia técnica absurda.

Qual é a origem e a proposta desse clássico?

Lançado originalmente no ano de 1922, esta obra-prima atende pelo título original de Häxan. Trata-se de uma coprodução entre a Suécia e a Dinamarca, escrita e comandada pelo ousado diretor Benjamin Christensen. Ele não queria apenas assustar o público; a sua real intenção era fazer um estudo profundo e antropológico sobre a feitiçaria, o satanismo e a histeria coletiva desde a Idade Média até os tempos modernos.

O filme atualmente ostenta uma respeitável nota IMDb de 7,6, um reflexo de como ele continua relevante para cinéfilos do mundo inteiro. A estrutura é dividida em capítulos, misturando o formato de documentário (usando ilustrações e textos da época) com encenações dramáticas altamente realistas e perturbadoras para o início do século XX.

Quem faz parte do elenco e onde o filme foi rodado?

A escalação do elenco trouxe atuações viscerais. A atriz não profissional Maren Pedersen entrega uma performance assustadora e melancólica como a velha tecelã acusada de bruxaria. Ao lado dela, temos nomes marcantes do cinema escandinavo da época, como Astrid Holm, Clara Pontoppidan, Elith Pio e Oscar Stribolt. O próprio diretor, Benjamin Christensen, assumiu o papel do Diabo, entregando expressões faciais bizarras e uma energia caótica na tela.

Toda essa produção icônica teve como locação os estúdios de Hellerup e arredores de Copenhague, na Dinamarca. Embora os investidores fossem suecos, Christensen preferiu rodar o longa em seu próprio estúdio dinamarquês, recriando cenários medievais inteiros com uma riqueza de detalhes impressionante.

Quais são as maiores curiosidades dos bastidores?

Uma das coisas que mais me impressiona nessa produção são as histórias por trás das câmeras. Separei algumas curiosidades que mostram o nível de obsessão do diretor para colocar essa visão em prática:

·         Filmado na escuridão: Christensen insistiu que a maior parte das cenas fosse filmada durante a noite. Ele acreditava que a escuridão real trazia uma atmosfera pesada e sombria que os atores conseguiriam sentir e transmitir nas atuações.

·         O filme mais caro da época: O orçamento total passou de 2 milhões de coroas suecas. Para a época, isso tornou Häxan o filme mudo mais caro de toda a história do cinema escandinavo.

·         Censura pesada: Por exibir cenas de tortura, nudez, perversão e uma crítica ácida à Igreja Católica, o filme foi banido ou severamente cortado em países como os Estados Unidos, França e Alemanha por décadas.

·         Legado na cultura pop: O impacto cultural de Häxan é tão forte que a produtora responsável pelo clássico A Bruxa de Blair (1999) batizou a sua empresa de "Haxan Films" como uma homenagem direta a esta obra.

Vale a pena assistir a Häxan nos dias de hoje?

Dando o meu veredito sincero sobre a obra: o filme é obrigatório. Minha crítica a A Feitiçaria Através dos Tempos foca na genialidade de sua tese. Christensen faz um paralelo brilhante no final, mostrando que as mulheres queimadas e torturadas na Idade Média como "bruxas" sofriam, na verdade, de distúrbios neurológicos e psicológicos, como a histeria, que na década de 1920 começavam a ser tratados pela medicina e pela psicanálise.

Os efeitos especiais de dupla exposição, animação em stop-motion e a maquiagem das criaturas demoníacas são espetaculares. Não é apenas um filme antigo de terror; é um documento histórico pungente sobre como a ignorância humana e o fanatismo religioso podem destruir vidas. Se você aprecia a estética do horror folclórico ou quer entender a raiz visual de quase tudo o que o cinema de terror faz hoje em dia, Häxan merece o seu respeito e o seu tempo.